Algo flojea en la historia principal cuando resulta más interesante la trama de la película que ruedan sus personajes principales.
"Mujeres y maletas" supera a "Los abrazos rotos" en intensidad y expectación.
Almodovar se aleja de su estilo con un drama previsible y unos personajes superficialmente retratados.
Sólo los espectaculares paisajes de Lanzarote perduran en la memoria tras el visionado del film.
Las interpretaciones son correctas, destacando Blanca Portillo, pero con una línea de actuación contenida, por no decir plana. Los personajes de la intra historia, la concejala y su amiga, resultan más vivos y almodovarianos.
Romanticismo o practicismo, emoción o razón.
La vida te obliga a posicionarte en uno de los lados antagónicos, no se trata de ser bueno o malo, pero la necesidad de decidir en nuestras vidas nos va guiando hacia una postura u otra.
La Infancia como la posibilidad de soñar y de creer en los sueños.
Hombres de negocios y personas que se reunen con amigos, que viven el día día, que se sienten queridos.
La lucha en defensa de los ideales y de la felicidad de los niños.
Los clubes sociales y deportivos como centros de reunión en la que se viven las relaciones personales.
Campanella reconoce la influencia de Frank Capra, especialmente con su película ¡Qué bello es vivir! (1946), que le provoca lágrimas de felicidad cada vez que la ve.
Ricardo Darín y Eduardo Blanco forman una pareja de amigos memorable, con unos lazos que siguen fuertemente ligados desde su juventud. Las protagonistas femeninas sustentan la trama de forma excepcional, destacando Valeria Bertuccelli con una interpretación fresca y conmovedora.
Tras la extraña aventura americana, con el remake de su propio film Funny Games, Michael Haneke vuelve a su estilo sobrio, con una trama fechada en el preludio de la I Guerra Mundial, en un poblado austríaco sometido a unas reglas autóctonas, escritas por los antepasados, hechas cumplir por las nuevas generaciones.
Es un hecho recurrente que Haneke utilice a la infancia como ejecutora de las oscuras y maliciosas mentalidades de los adultos, anclados en la costumbre y en la religión.
Una sociedad herida por la venganza, que derrama actos hostiles sin que hay un culpable verdadero.
La cinta blanca oculta sobre su aparente pureza e inocencia, unos actos que sólo suponen delito en las leyes de los hombres.
La película ha sido premiada en festivales de todo el mundo, destacando la Palma de Oro de Cannes.
Representante de un cine que ya no se hace, Haneke mantiene su intención de poner en evidencia a una sociedad egoísta y que corrompe a su propios miembros, que dan continuidad a la degradación de los valores naturales de la humanidad.
Quentin es un gran guionista, capaz de crear el mayor de los suspenses con una mera conversación; sus diálogos son mordaces y terroríficos, las secuencias iniciales memorables, en cada película va un paso más allá y en todas ellas sorprende.
No es la mejor versión de Tarantino, pero sus personajes se construyen hasta conseguir un carisma único, tanto en los principales como el algunos secundarios, tanto en los supuestamente buenos como en los malos.
Hay que mencionar la labor del austríaco Christoph Waltz, en un papel que recuerda a personajes crueles como el de Ralph Fiennes en la Lista de Schindler, con una mezcla deliciosa de despotismo, inteligencia e histrionismo. La venganza nuevamente es el hilo conductor, con personajes que aparecen y desaparecen, con objetivos similares.
Todo converge hacia una orgía final de sangre y violencia, que no mejora a secuencias menores como la aparición del oso con su bate de beisbol y el juego de las adivinanzas en la taberna.
El final de un trayecto se convierte en el comienzo de otro.
Versión minimalista del factor humano en las máquinas, creadas a imagen y semejanza de sus creadores, que evoca a grandes obras como 2001, Blade Runner o Solaris.
Sam Rockwell y el equipo de maquillaje hacen una gran labor para recrear la multilateralidad de su personaje.
Le da la réplica la voz de Kevin Spacey (imprescindoble la VO).
Ambos conforman la parte más real y humana de todo aquello que les rodea: estación y atmósfera lunar, imágenes en diferido y personas más allá de la pantalla y de los recuerdos.
Larry David interpreta al alter ego de Woody Allen en una nueva comedia ligera del director.
Un genio que es capaz de ver más allá de la cotidianeidad pero que no puede vivir una vida normal, sumido en sus propios miedos ante una sociedad poblada por personas de baja intelectualidad.
Hablamos del personaje central, pero también del guionista y director, que ha buscado en esta comedia costumbrista una excusa para expeler su habitual chorreo de frases y diálogos ingeniosos.
Ciertamente consigue secuencias hilarantes con la introducción de personajes que se transforman y dan rienda suelta a una locura colectiva, un enrevesado destino trufado por actos de suerte.
Más de lo mismo en cuanto a comedias woodyalleanas de las que se pueden rescatar algunos momentos en los que da rienda suelta a su creatividad.
Esperamos una nueva entrega, en esta ocasión dando descanso a las comedias tontorronas.
Mathieu Amalric da vida a un psicólogo en una empresa filial multinacional. Su trabajo ocupa la el primer puesto en sus prioridades, por encima de una mujer a la que ama pero a la que no es capaz de demostrarselo.
Frio y decidido, no vacila en preparar medidas para ajustar el número de empleados de la empresa, despidiendo bajo sus propios criterios a más de 1.000 personas. No se cuestiona la repercusión de sus actos, la cuestión humana, hasta que no se le designa para investigar al Director General de la compañía.
A partir de ese momento, los sentimientos de culpa y remordimiento de la persona a la que sigue los pasos y las de su entorno, se mezclan con sus propios sentimientos. Un horrible pasado relacionado con el holocausto nazi, abre los ojos del ejecutivo, que siente como suyos los sentimientos de dolor, provocados por actos contra la humanidad.
Ingmar Bergman adapta una novela de Ulla Isaksson, tras 2 de sus más grandes películas, como Fresas Salvajes y el Séptimo Sello. El Manantial de la Doncella supone la recreación de la vida en los poblados del siglo XIV en el norte de Europa.
Una familia untracristiana busca refugio ante la maldad en la religión, profesando devoción a la santidad mediante peregrinaciones a la iglesia más cercana. La única hija de los patrones de la casa, inocente y virgen de pecado, pero en plena transición hacia la madurez física, inicia la marcha a través de un bosque en el que transitan personajes de distinta índole.
La crueldad y malicia del ser humano se refleja de forma directa y transparente, sin tapujos, sin censura, sin piedad.
Max von Sydow emerge con su grandiosa figura, como el padre vengador, que tras alejarse del camino del perdón que dicta la religión que profesa, busca la redención ante su Dios, en el mismo lugar donde muere y nace la vida.
Un ejemplo de cine para posteriores directores que han realizado versiones de esta eterna historia sobre la salvaje naturaleza humana, los bajos instintos y la venganza como inexorable consecuencia, tras la que no queda más que el vacío.
Wes Craven en 1972 rodó "The last house on the left", readaptada nuevamente en 2009.
Ganadora del la Palma de Oro de Cannes en 2008 y candidata a los Oscars, este docudrama refleja la realidad de la enseñanza en una gran ciudad europea como ParísFrançois Bégaudeau.
Francois Bégaudeau es el profesor que, siendo el guinista del film, representa alprofesor de alumnos de 14-15 años,cargado de buenas intenciones al inicio del curso y que se siente sobrepasado por la rrogancia y rebeldía de los jóvenes, procedentes de diferentes culturas y etnias.
Todos los actores se representan a si mismos, lo que supone un ejercicio de ultra realismo, en el que la dialéctica entre adultos y estudiantes centra la trama.
Film arriesgado y sincero, que consigue trasladar fielmente el problema de entendimiento entre generaciones.
Sam Mendes adapta la novela homónima de Justin Haythe, un historia de personas normales que soñaron con no serlo.
Leonado di Caprio y Kate Winslet interpretan a un pareja en crisis, que se debate entre la lucha por retomar los ideales que llevaron a su enamoramiento y abandonar los sueños y romper los lazos, unidos cuando ambos se sentían especiales y tendían grandes expectativas para sus vidas.
Ambientada en los años 50, aborda un tema muy actual, de conflicto de intereses en una convivencia siempre complicada. La búsqueda de la felicidad se puede hacer en compañía, pero es difícil coincidir en el camino y en el momento para llegar a ella.
La envolvete música de Thomas Newman, los cuidados escenarios y vestuario, nos llevan a una época lejana en la que se vivían las mismas incertidumbres vitales de hoy en día.
Ciertamente me recuerda a la gran serie Mad Men, tanto en su ambientación como en las circunstancias de la pareja protagonista.
Lee Chang-dong se acerca más al realismo que su compatriota Kim ki Duk, en una historia dramática de pecado y perdón. Seleccionada para los Oscars, su actriz principal ganó la Plama de Oro en Cannes 2007.
Sobre el personaje de la madre viuda, se ciernen las mayores desdichas que un ser humano puede sufrir en la vida, ante las cuales se tambalea su cordura, sujeta por hilo fino, que es la fe. una fe que viene y se va de la misma manera, rápida y dolorosamente.
El largo metraje y su ritmo pausado no hacen disminuir la alta carga emocional; una dirección sobria que centra sus estímulos en el sufrimiento, no en la trama ni en el esclarecimiento de los hechos que se suceden. Por poner una pega, los actores secundarios aparecen desdibujados y poco elaborados.
La conversación de una pareja de amantes en un parque de la zona de oficinas de San Francisco, es el punto de origen y el argumento central de este clásico del suspense.
Un investigador privado, tan buen profesional como perdido en su vida personal, se inmiscuye más de la cuenta en un trabajo, lo que le provoca recuerdos de actuaciones pasadas, temores, ansiedad e inseguridad.
Un magnífico Gene Hackman es el actor que encarna a ese personaje que descubre secretos de los demás y oculta los suyos propios. Un ser solitario, amargado, paranoico, sin miedo a la muerte pero atenazado por el sentimiento de culpa.
Sólo su fervor religioso y su amor por el jazz le acerca a los seres humanos, ya que el amor se desliza por su vida sin poder retenerlo. La música y ese ambiente setentero californiano hacen que la revisión de esta cinta sea muy agradable y deje la sensación de que ya no se hace un cine asi. Lástima.
Como curiosidades, la presencia de un jovencísimo Harrison Ford con un ambiguo papel, el importante personaje de Robert Duvall que sin embargo no aparece en los créditos, la aparición de uno de los hijos del director en la secuencia de la confesión y de Richar, el hermano de Gene como confesor.
Francois Truffaut tuvo el reconocimiento como mejor director de Cannes en 1959, por su primer largometraje, Los cuatrocuentos golpes.
Truffaut, primero crítico cinematográfico y después director, hace un retrato de juventud, con bastantes toques autobiográficos, en los que un preadolescente desarraigado, con finos hilos familiares, conocedor del escaso cariño que le procesan sus progenitores, decide iniciar una nueva etapa en su vida, ligada con su mayor deseo, ver el mar.
De la mano del actor Jean-Pierre Léaud, Truffaut comienza a construir un nuevo cine francés, conocido como la nouvelle vague, retratando al personaje Antoine Doinel en diversas etapas de su vida.
El amor al cine se refleja en las continuas escapadas de los jóvenes a las salas cinematográficas del París de finales de los años 50, lo que constituye la vía de escape ante una realidad hostil, incomprensiva y que continuamente le castiga, golpeando una otra vez.
50 años después, la película no ha perdido su vigor y sigue mostrando una sociedad desvinculada de los problemas de sus niños, desvinculada emocionalmente, frágil en su estructura familiar. Una sociedad en la que los jóvenes se sienten desplazados, incomprendidos y desgraciados, por lo que se revelan una y otra vez, golpe tras golpe.
Fernando Meirelles adapta el libro de José Saramago, Ensayo sobre la ceguera, recreando un angustioso mundo en blanco, en el que los sanos recluyen a los enfermos, para evitar el contagio de su mal, sin el menor interés en el bienestar de los invidentes.
Alegoría de una sociedad dominada por el egoísmo y el miedo, en la que florecen los más bajos instintos de supervivencia, en el que el orgullo y la ética dejan de tener sentido.
Seguramente más liviana que el libro (reconozco no haberlo leído), la película recrea una "mujer sin nombre que ve" (Julianne Moore), la cual se erige como la Mesías de los Desamparados, la única luz en un mundo de tinieblas blancas en la que el caos impera a sus anchas.
Especialmente emotiva la elección de la Sinfonia cantanta BWV 156* de Johann Sebastian Bach, para la secuencia del reencuentro con la civilización (o lo que queda de ella) tras la liberación del pabellón, y para los títulos de crédito finales.
Reencuentro familiar a la europea, como ya vimos en otras grandes obras como Festen.
Arnaud Desplechin rueda una emotiva historia de desencuentros, de odios escondidos y amores ocultados.
El montaje ayuda a digerir el melodrama de dos horas y media, con suaves transiciones para la misma secuencia, asi como otros recursos como esporádicas voces en off, monólogos delante de la cámara, lecturas y representaciones de textos, flashbacks,...
Destacan las actuaciones del siempre enigmático Mathieu Amalric (Le scaphandre et le papillon) y de la grandiosa Catherine Deneuve.
El director de Billy Elliot y The Hours traslada a la gran pantalla la novela homónima de Bernhard Schlink. Una producción que no pudieron ver ni Anthony Minghella ni Sydney Pollack, autores de obras sublimes (The English Patient, Out of Africa) a las que The Reader se acerca en sensibilidad y dramatismo.
Lo que a la vista de gran parte de la humanidad es un claro caso de delito atroz, digno del mayor de los castigos, ante los ojos de las personas que conocen de cerca a los infractores, se transforma en un acto de debilidad humana, en un error del que hay que pagar una penitencia, pero delque no estamos a salvo de cometer ninguno.
Dos amantes que cruzan por segunda vez sus vidas en difíciles circunstancias, en un momento en el reaparece la culpa en una, y se busca una improbable explicación en otra.
Lástima que el personaje Hanna Schmitz, magníficamente interpretado por Kate Winslet, esté desarrollado tan livianamente, cargando el peso de la historia en el pequeño gran delito del personaje masculino, bien realizado por los dos actores de juventud y madurez.
El mismo Clint que luchaba contra las injusticias en los spaghetti western de Sergio Leone, que el duro y sucio Harry, que el personaje del Jinete Pálido y Sin Perdón.
El mismo pero a la vez más reflexivo. Será la edad, será la experiencia, pero según va cumpliendo años el bueno de Clint, las imágenes y las historias reflejan cada vez más humanidad.
Se trata de vida y de muerte, quizás más de reflexiones y redención antes de la muerte.
El duro, impertérrito y detestable abuelo del inicio del film se va convirtiendo en un ser humano, de la mano de unos jóvenes de la comunidad Mong, tan cercanos y a la vez tan lejanos al Vietnam que hizo endurecer el alma del soldado, 50 años atrás.
Todo ese tiempo no es suficente para curar unas heridas demasiado profundas, unos recuerdos de muerte que le estaban enterrando en vida.
La película fluye deliciosamente y sorprende la vitalidad del viejo director, productor y protagonista., ese deleznable viejo gruñón y malhablado que nos encandila con sus exabruptos tipo "kiss my ass!".
Alejado del convencional cine de Bolywood, Boyle refleja una historia sobre la infancia de dos hermanos, similar a Ciudad de Dios, en las afueras de la inmensa Bombay.
Tierna por la presencia de los 2 pequeños y el de una niña, el amor de uno de ellos, sin embargo muestra la crueldad y maldad de quienes pretenden vivir a costa de la debilidad de los demás.
Llena de estereotipos, de buenos y malos, de personas alegres y brutales, de alegría y tristeza, la cinta consigue avanzar fluidamente mientras los protagonistas alcanzan la mayoría de edad.
El final no es nada original, no sólo por el epílogo feliz y musical al que acostumbran las producciones indias, sino por que la última pregunta del concurso sobre el que se sustenta el guión, es la fácil de todas las que tiene que responder el "perro callejero", el analfabeto de la compañía telefónica.
Confección correcta la de Jose Luis Cuerda sobre la novela de Alberto Méndez, pero sólo eso, correcta. La adaptación cinematográfica sugería mayores metas que las alcanzadas.
El personaje del diácono es el único que alcanza una plenitud narrativa, dejando al resto de personajes con carencias en su desarrollo que impiden que la carga dramática se encumbre como en la novela.
"Nací en circunstancias inusuales", asi comienza la gran apuesta de David Fincher, en una adaptación de la novela de F. Scott Fitzgerald, sobre un ser que vive una vida regresiva.
Una historia que parece ser pasto de cine fantástico, es llevada al dramatismo de un biopic, dotando de un realismo imposible que sólo los más incrédulos e insensibles pueden obviar.
Con la premisa de que "todo es posible", como manifiesta una de las amantes de Benjamin, el pequeño ser grotesco se va convirtiendo en una persona normal, capaz de amar y ser amado, sólo por tiempo limitado, pero, ¿quien quiere vivir por siempre?
Cate Blanchett, Brad Pitt y el maquillaje hacen más cercana una historia de amor imposible, que ya se ha podido ver en pantallas de cine españolas, con un cortometraje del año 1997, llamado Medrel, dirigido por Oscar Villasante. En este caso, el bebé anciano no nace tras la I Guerra Mundial, si no tras la Guerra Civil Española. El resto de la historia es similar, incluido el romántico final.
