Captain Fantastic

La autoridad y hasta el poder que concede la paternidad, hace creer que se puede imponer una forma de vida diferente a la que impera en la sociedad urbana.
Los hijos acogen esas ideas de forma natural en la infancia, aunque choquen con las absorbidas fuera del hogar.
El personal de Viggo Mortensen capitanea una vida alineada con la naturaleza, donde impera el conocimiento a través de los libros, de la conversación, de la disciplina moral y física.
La verdad pretende imperar, pero es el propio padre quien la oculta para defender su ideal.
Ideales como los que tienen los autoritarios progenitores de películas como The witch, The Village, The Mosquito Coast, el documental The Wolfpack y, especialmente Das Weisse Band y Canino.
La vida basada en lo natural, tan alejada de la real, termina por crear conflictos éticos, cuando la adolescencia florece en las amaestradas criaturas.
Todos los padres queremos educar a nuestros hijos de la mejor manera, sea antisistema, basándonos en a ética o aceptando las normas capitalistas.
Hacerlo de una manera u otra es una opción, que, en el caso de las películas mencionadas, es factible sólo en los primeros años.
Esa manera libertaria de educar se vuelve retorcida a ojos extraños y a los de los propios hijos, cuando respiran otros entornos y contactan con otros seres "normales" bajo el prisma de la sociedad.

Miss Violence

El cine griego del último lustro ha creado un paradigma cinematográfico, identificado por la rudeza de los enfoques, la parquedad en los diálogos, los paisajes urbanos decayentes, la pobreza moral de la sociedad, la mirada taciturna de sus personajes.

La segunda película de Alexandros Avranas recuerda al extraño concepto de familia presentado por su compatriota Yorgos Lanthimos en Canino.
Más allá de las fronteras helenas, títulos como La Infancia de Iván (Andrei Tarkovsky) o 

4 meses, 3 semanas, 2 días (Cristian Mungiu), comparten la misma visión deshumanizada, en ojos de personas con debilidades.

El Liderazgo en la familia se relata con crudeza y altas dosis de Violencia emocional, que explica la alienación de los débiles, la dependencia hacia el amo que les alimenta y les fustiga por igual.

I Origins

Los extremos se atraen y se rehuyen con igual intensidad.

La lucha entre la racionalidad y la espiritualidad no busca ganadores. 

Entre el destino y la mera estadística, hay un abanico de vicisitudes, algunas entendibles desde la lógica, otras sólo desde la fe.

Mike Cahill, especialista en ciencia ficción religiosa, insiste en cuestionar la existencia de algo superior e inexplicable que ha creado el Universo, a través de personas que pueden sentirlo, que han desarrollado un nuevo sentido de espiritualidad y que se mueven entre otros humanos que se aferran al causa-efecto.

Si un hecho científicamente demostrable haría cambiar las creencias de un líder religioso; ¿un acto de fe rompería las barreras emocionales de un científico?

Brit Marling apoya de nuevo la historia del director, en este caso con un personaje volcado con su pasión científica, pero conectada a la existencia de otra realidad posible.
Astrid Bergès-Frisbey es el ángel que derrumba las barreras psicológicas del personaje interpretado por Michael Pitt, que consigue abrir la puerta que él mismo había cerrado.

Boyhood

 

Linklater nos muestra bocados de realidad durante 12 años en la vida de Mason, desde su niñez hasta su adolescencia.
Lo hace con la frescura de su mejor arma, un guión cimentado en diálogos que analizan nuestra vida, mostrandola con sus defectos, inquietudes, penurias y alegrías.
El montaje nos acerca a la vida de los personajes, indistintamente en momentos críticos o en rutinarios, permitiendo adentrarnos como si fueramos unos familiares que los visitamos cada cierto tiempo.
Patricia Arquette y Ethan Hawke están fantásticos en sus roles antagónicos, pero que consiguen confluir al cabo de los años.
Junto con la trilogía de "Before the...", Linklater nos regala unas de las mejores cinematográficas de los últimos 20 años.

The Broken Circle Breakdown (Alabama Monroe)

El amor no nace ni muere, sólo surge y desaparece.

Las estrellas, aunque se apaguen, permanecen vivas con su luz para siempre.

Elise y Didier se aman, pero luchan de forma diferente.

Ella arrastra sus desamores en su piel, él se enfrenta al mundo de la mentira, de la política y de la religión.

Encuentran la plenitud en la música y en su hija, un grado de felicidad que la vida no consiente.
La pérdida deshace los vínculos, en una errática búsqueda de culpabilidad, en entendimiento que dejo de serlo hace tiempo.

Candidata al Oscar, la cinta belga es una delicia para los amantes del bluegrass, con canciones sublimes como "The boy who wouldn`t hoe corn":

La vie d'Adèle

Pocas cosas dan tanto miedo como llegar a descubrir la verdadera naturaleza de uno mismo.

La adolescencia supone enfrentar tu identidad ante lo que piensan y esperan de ti los miembros de tu comunidad.

Sin acostumbrarse a estar desubicados en su entorno, los jóvenes que además tienen inquietudes fuera delo normal y deseos poco convencionales, tienden a marginar sus emociones, a ocultarlas o fingir otras.

Kechiche dirige con maestría a las dos actrices principales, pura química desde el encuentro inicial, filmada sin pudor sentimental ni sexual, en lo que resulta lo más logrado del film: la íntima relación de dos amantes.
El resto del guión sólo soporta, con artificios, la aventura amorosa de las jóvenes, incorporando elementos prescindibles, como la relación con los padres y ramalazos de falsa amistad.
Adèle Exarchopoulos enamora con su mirada, primero inocente, luego cautivadora  siempre taciturna, en la que es y será su mejor actuación en el cine.

La vénus a la fourrure

Roman Polanski descubre a su inicialmente poco sofisticada e inculta mujer, como a una diosa bajo la que cualquier hombre puede sucumbir, con una mirada felina y una sensualidad agresiva, que domina en todo momento a su creador, arrodillado voluntariamente ante la protagonista de su creación.

La adaptación onírica de una adaptación literaria pone en escena el dilema de la dominación y la sumisión, la creación artística y la ensoñación, la realidad y el deseo, el hastío de la rutina y la búsqueda de la belleza.
En un contínuo forcejeo, el del deseo acaba pudiendo sobre la razón, los instintos sobre la contención.

La bipolaridad del creador, le permite situarse en ambos lados del espejo, sádico y masoquista por igual, por fin abandonado a sus instintos.

Jeune et Jolie

Asi como la  Deneuve de Belle de Jour, se refugia en la casa de citas como escape para su anodino matrimonio, Vacth organiza encuentros con hombres desconocidos, para satisfacer sus ansias de experimentación y reafirmación como mujer.
Su objetivo no es económico ni sexual, le estimula preparar citas con hombres maduros que pagan por su compañía, asi como rememorar las situaciones.
Su apacible y aparentemente normal entorno, no calma su inquietud ni le sirve de guía emocional; amparada por la doble moral de quien quiere mostrarse como su referente, mantiene doble vida, criticable por la moral social, pero no reprochable desde la óptica personal de quien quiere sentirse vivo, con valentía y determinación.

Ozon se muestra, tras La Casa, como un intimista narrador de la controvertida adolescencia, difícil de entender para aquellos que una vez pasaron por esa etapa, difícil de digerir por quienes la pasan.
Melancólica a la vez que provocadora, fría y sensual, temerosa y decidida, asi se muestra la bipolar protagonista, más joven y más bella que el título del film.

La grande belleza

Sorrentino filma la majestusiodad de Roma y lo hace dando color a la memoria de Fellini.
Apoyado en la decadente burguesía italiana, muestra la voluptousidad de lo que se quiere aparentar y la miseria que alberga el corazón de quienes han alimentado sólo ego y dinero su alma.
Toni Servillo vuelve a centrar todo el hilo argumental escrito por Paolo S., en un momento vital en el que los recuerdos representan lo mejor de vejez, una via de escape para afrontar las tediosas relaciones con personajes que pasan sin dejar huella.
Un personaje demasiado sensible, que se desangra ante la vulgaridad, la ignorancia y la hipocresía, que se rie del fanatismo religioso, político e ideológico.

Un artista marcado por su primera y única obra, que busca sin saberlo la gran y verdadera belleza, sabiendo que jamás volverás a encontrarla, orgulloso de haberla poseído, consciente de que la vida es sólo un truco, que ya nada es real y que vivimos en una piadosa mentira que aceptamos como verdadera.

Blue Valentine

¿Cómo de fiable es el amor a primera vista?
¿Cúanto dura el enamoramiento?
¿Son similares las convicciones sobre el amor de una pareja?

El emergente Ryan Gosling (Drive), coproductor del film, retrata a un sentimental que de la negativa inicial a la idea de formar una familia, se llena de gozo con esa nueva realidad, abandonando otras actividades en las que crecer personal y profesionalmente.

Ella, Michelle Williams, de la dulzura inicial pasa al hastío, al odio irracional, provocado por no alcanzar sus sueños, entre los que se encuentra principalmente su pareja, cada vez más alejada de su ideal de hombre.

El debutante Derek Cianfrance nos enreda con un montaje perfectamente hilvanado, que hace más patente el desgaste del tiempo en cualquier relación, la caducidad del enamoramiento, la ceguera que provoca y las consecuencias duraderas de actos provocados por la confianza en la firmeza de los sentimientos.

Hay varias escenas memorables que escenifican el  final del amor, por encima de las que manifiestan el enamoramiento.
- La claustrofóbica habitación de hotel escenifica el infierno del que uno quiere purgarse y otra sólamente escapar.
- La libertad de la noche en las calles de una gran ciudad, permite la atracción de dos personas destinadas a encontrarse, a cantar y bailar en perfecta armonía con los sonidos de un ukelele:

- La pelea en el almacén, que supone el empujón definitivo para que la pareja formalice su relación
- La pelea en la clínica, que pone fin a la escasa sintonía de los padres, culminada con la ruptura de facto de ambos, pero con marcha atrás por parte de él, que busca desconsoladamente un atisbo de reencuentro (tanto de la alianza perdida como de la mujer a la que amaba profundamente).

La vida es la mezcla de dosis de amor y desencanto, en la que recogemos la pesada carga de decisiones tomadas en la maravillosa juventud.

Trance

Danny Boyle fabrica un entramado a su medida con la inclusión de la hipnosis como hilo argumental, quw lw permite jugar con situaciones reales, oníricas, imaginadas y recordadas.

El ritmo frenético de su montaje se pone de nuevo de manifiesto en las secuencias de acción y en el desarrollo de situaciones que deja fluir, para tratar de trasladar con escasos argumentos al espectador al desenlace.
James McAvoy retrata al antihéroe, que va descubriendo su verdadera y oscura personalidad, a través de su psicoanalista.
Rosario Dawson será recordada por su desnudo representando la feminidad en la pintura clásica.

Dans la Maison

Un guión sobre un relato que se va escribiendo, revisando y modificando por el autor y por su tutor, permite a Ozon introducir infinitas vueltas de cuerda sobre una historia con volátil desarrollo.
El joven estudiante descubre su pericia en la escritura y utiliza a un compañero, extrañamente una persona normal, para plasmar su vida y la de su familia en una historia por entregas, que engancha desde el primer capítulo a su profesor de lengua.
Un profesor desencantado con su profesión y con la institución a la que representa, desconectado de su vida real, en especial de su pareja, que cree encontrar un diamante en bruto que alimente su vacio interior, que complete un proyecto abandonado hace demasiado tiempo.
Un joven que quiere escribir sobre la vida con realismo, pero que dota de sarcasmo e ironía a cada una de sus frases, manipulando a los personajes introduciéndose en sus vida diaria.
"El final debe ser inesperado para el lector, pero reconociendo a la vez que no podía haber otro final"
Ese final lo van retocando los dos protagonistas segun avanza la historia, que empezaron juntos y terminan juntos, imaginando historias de otros que mejoren su mediocres vidas, mucho menos interesantes y relevantes que las que creen ver en las demás personas.

Stoker

Chan-wook Park se adentra en el mercado  americano con una cinta de suspense psicológico y manteniendo muchas de sus virtudes.

Mia Wasikowska encarna a una joven recién entrada en la mayoría de edad, que sufre una metamorfósis segun va entendiendo el mundo de los adultos y la realidad sobre su familia.

El film transcurrre velozmente, con la imaginación y creatividad de Park plasmada en un montaje  lleno de simbolismos, que explican sólo lo necesario, dejando a sus personajes fluir.

La maldad de algunas personas, sólo puede entenderse por la propia naturaleza del ser humano, incapaz de deshacerse de ella, sólo alimentándola de manera irracional.

La migliore offerta

En toda falsificación siempre se encuentra algo auténtico.
A este axioma se aferra el personaje de Geoffrey Rush, que atisba que frente a un gran engaño, el amor permanece verdadero, sin quebrantar.
Virgil Oldman es una persona que se muestra más cómoda entre obras de arte que entre personas.
Alguien que ama la belleza de las creaciones artísticas, que se apropia de los retratos auténticos de mujeres, falseando su actividad profesional y engañando a los propietarios sobre la falsa falsedad de los cuadros.
Su pulcritud es un acto de defensa ante la humanidad; no quiere ser dañado, ni físicamente ni emocionalmente.
Siempre ha amado a las obras de arte y mirado a los ojos a los retratos de damas desconocidas, pero nunca ha hecho lo propio con mujeres de verdad.
Ante él, de forma no tan casual, aparece la oportunidad de vivir una experiencia irreconocible, ya que encuentra a una persona como él, timorata ante el exterior, ante el contacto humano.
De la curiosidad pasa a la pasión, guiada por los consejos de alguien mucho más joven, pero con más experiencia.
Sus recelos se desvanecen ante estas personas que llenan su nueva vida, su desconfianza se suprime y nace una nueva persona, dispuesta a redimirse, a afrontar sus debilidades.
El amor le conduce a un sendero inexplorado, hacia un abismo, en que irracionalmente, quiere ver una luz, una salida hacia la que dirigirse.

La música de Ennio Morricone fluye entre las secuencias, sin hacerse protagonista como en otras grandes obras, como la maravillosa Cinema Paradiso que firma junto a su fiel Giuseppe Tornatore.

Shame

Nos subimos al metro con Michael Fassbender, al que acompañamos en un viaje circular, que termina igual que comienza, con la visión de un ángel que llena de esperanza a un hombre devastado por su adicción.

Un descenso a los infiernos sin billete de vuelta, en un camino del que sólo sale eventualmente cuando llega al hartazgo, pero al que vuelve de manera recurrente y cada vez de forma más turbulenta.

Su hermana es la única persona que le quiere y que él se niega a querer, mostrandose frio ante las muestras de cariño y ajeno a los lazos sanguíneos que les unen, como queriendo escapar de un horrible pasado.

Cada persona tiene plena libertad de ser como quiere ser, pero cuando la imagen que los demás tienen de uno está tan alejada de la verdadera personalidad, cuando ésta se mantiene oculta, es cuando se siente vergüenza de quien uno es.

La libertad que busca el personaje no la encuentra, no porque las personas de su entorno le opriman y agobien, sino porque él mismo se encierra voluntariamente en la cárcel del placer inmediato.

Públicamente se vanagloria de su estilo de vida, independiente y sin ataduras; expresa su extrañeza y aburrimiento ante relaciones duraderas y, aunque internamente las desea, su debilidad es más fuerte que su voluntad.

Sólo reconoce su problema cuando ve un comportamiento similar en los demás, el cual aborrece y del que se aleja física y emocionalmente.

Brandon trata de calmar a su bestia interna escuchando los preludios de J.S. Bach, interpretados por Glenn Gould:

Steve McQueen muestra su talento tras su ópera prima "Hunger", con una historia sórdida, en un Manhattan alejado de la luminosidad y del glamour habitual.

Jagten (La caza)

Thomas Vinterberg acostumbra a mostrarnos una Dinamarca alejada de una imagen de perfección social que percibimos desde fuera.
Si en celebración desnudó las relaciones familiares, en La Caza, lo que queda al descubierto, es una sociedad preocupada hasta el extremo de la rectitud moral de cada uno de sus individuos.

Dando por hecho una verdad indemostrable, el presunto culpable se enfrenta al rechazo de toda la comunidad, en especial de quienes más cercanos a él se encontraban antes de conocer la nueva situación.
Los rumores y el miedo a la maldad humana afloran y se extienden como una epidemia, quebrando la figura estoica de enemigo público, padre separado que está en proceso de recuperar una vida junto a una nueva pareja y un hijo adolescente.
Mads Mikkelsen vuelve a interpretar un personaje sobrepasado por las circunstancias, incapaz de revertir una histeria colectiva, enfrentada a una posibilidad, más que a una persona malvada.

Le capital

Costa Gavras vuelve a hurgar en la sociedad democrática del capitalismo feroz.
Para ello vuelve a servirse de un protagonista que se excusa en la falta de moralidad y ética de sus colegas para actuar de la misma con el objetivo de conseguir el éxito.
Un éxito prefabricado y que le provoca livianas dudas ocasionales, pero el dinero todo lo puede y todo lo consigue, por eso es lo más importante, por encima de necesidades de mayor relevancia humana como el respeto.

La lujuria, el poder, la ambición, son virtudes o pecados según quien los valore.

Cuanto más cerca se encuentra del objetivo, más alejado se está de la familia, casi testimonial de principio a fin, y menores son los escrúpulos para atraer por cualquier medio la falsa estima de otras personas.

"Soy el moderno Robin Hood. Robo el dinero de los pobres para darselo a los ricos" [aplausos de la audiencia]

Más ambiciosa que Arcadia pero con resultados no tan logrados, el director griego enfoca la crítica a una sociedad dominada por el capital, por el poder económico y por el egoísmo de un clan, tan vulgar como la visión que tienen del resto de sociedad.

Amour - Amor

La vida.... la vida es tan larga...
Es tan larga cuando se sufre el momento, cuando las fotografías del pasado provocan melancolía y evocan recuerdos de un pasado mejor.
Haneke nos sumerge abruptamente en una casa donde se ha vivido la mayor de las hostorias de amor, pero una vez que estamos dentro, la sutilidad domina cada uan de las secuencias.

Los silencios y las miradas comunican más que las palabras, la música de Beethoven y Schubert acompañan momentos de felicidad que se evaporan en la memoria.
El inicio y el final de la existencia caminan por vias paralelas, ante la incomprensión de quienes transitan entre ellas, que parecen no recordar el incio de la andadura y vislumbrar su inevitable destino.
Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva desnudan su alma y evocan sensaciones de dulcura y fidelidad inquebrantable, ante un desenlace irremdiable por más que se quiera negar.
El magnífico contrapunto de Isabelle Huppert enfrenta a dos generaciones separadas no sólo por el tiempo.

Bagatelles de Beethoven

The tree of life

En La Ola, los jóvenes estudiantes pasaban de un impulso revolucionario a la más completa alineación, inducidos por una educación reglada basada en valores de pertenencia a un grupo (iniciado por un experimento escolar).
La cinta blanca (Haneke) revela los posibles orígenes del nazismo y de la maldad humana, fruto de una educación familiar severa, que persigue la defensa a ultranza de valores religiosos y de pertenencia a la comunidad.
En un mundo mejor (Bier), pone de relieve la diferente educación procedente de las familias y de la escuela, pero por encima está la naturaleza humana, con instintos que sobrepasan la razón.

La ley natural sobre la ley de los hombres.
El humanista Terrence Malick, heredero de Tarkovsky (La infancia de Ivan), Dreyer (Ordet) o Bergmann (El séptimo sello), retrata la naturaleza humana, que se revela frente a unas directrices atenazantes, pese a que procedan de las personas influyentes, como son los padres para los hijos.
Bajo imágenes evocadoras de la evolución de la vida, se nos plantea la incógnita del comportamiento humano, la relación entre el entorno más cercano de cada ser vivo y su comportamiento frente a aquel.
La religión puede ser tanto un refugio para seres temerosos, como una excusa para actos crueles.
La ternura y el amor del personaje femenino muestran valores familiares; la severidad del padre esconde el miedo a un mundo hostil y sin piedad.
La pérdida de la inocencia marca el inicio de una vida en la que se toman decisiones, que con el tiempo se recuerdan con alegría o con verguenza.

Die Welle

La pertenencia a un grupo como medio para aumentar la autoestima, el encumbramiento de un líder como un referente ideológico al que seguir, de forma unánime, sin concesiones, sin dudas.

El lema "fuerza mediante la disciplina, fuerza mediante la comunidad, fuerza a través de la acción, fuerza a través del orgullo" (Ron Jones), es el motor de "La ola", película alemana que se pregunta si es posible que en la actualidad pueda volver el nacional socialismo, el nazismo; si es posible que un grupo de personas hagan revolucionar las mentes del resto y se forme un único pensamiento que arrase con todo lo que esté en contra de sus doctrinas.
La respuesta lógica es un rotundo NO, pero un acto de disciplina puede iniciar un movimiento que posteriormente no se pueda controlar.


Pertenecer a un grupo que crece en número de adeptos y en poder, es un atractivo que, los jóvenes estudiantes, objeto del experimento de un profesor de instituto, no son capaces de rechazar.
Las ideologias autoritarias y dictatoriales se convierten en actos de fe para los miembros del clan y no dudan en utilizar la violencia para someter a los demás.